Introducción

A lo largo de diez años, he desarrollado una vasta experiencia en el área de la docencia artística que, si bien no resulta necesariamente innovadora en si misma, sí lo es en el contexto de las academias oficiales, sostenidas por el estado, las cuales comúnmente articulan los procesos de enseñanza - aprendizaje sobre las constantes, dejando de lado toda variable posible.
Mi experiencia se halla vinculada a la formación de grado. Es decir, trabajo con estudiantes muy jóvenes, en aras de encontrar y desarrollar una mecánica de trabajo personal, sobre la base de proyectos que en un comienzo resultan vagos, pero que con el tiempo van adquiriendo rasgos identitarios fuertemente marcados por las apetencias personales de cada alumno.
Sin embargo, deseo aclarar que si bien al cabo de tres años de trabajo puede avizorarse un discurso más o menos independiente, estos jóvenes artistas no siempre han podido desarrollar pensamientos, ni estrategias de circulación, tanto de éstos como de la propia obra, que fueran verdaderamente autónomos. Así pues, con frecuencia, aquéllos caen en el deseo de corresponder a las demandas que nos vienen desde la capital del país, adecuándose a modalidades centrípetas.
Mi experiencia como artista es similar. He considerado entonces que estamos frente al desafío de plantear instancias posteriores a las del mero acto de la enseñanza artística en el contexto de un taller dentro del ámbito universitario, para tratar de diseñar un proyecto colectivo, que involucre no sólo la circulación de obra y pensamiento por circuitos "horizontales", sino (y esto es lo más importante) que conlleve a la consolidación de enunciados autónomos, en los que esté claro que el discurso artístico tiene que tocar un nervio del tiempo, pero a la vez, que los artistas pueden trabajar con lo contextual, lo específico, lo menos, sus intereses particulares etc., sin tener que pasar por la aprobación de un centro que no tiene acceso a los signos del argumento.
Por último, asevero que todo proceso de creación es colectivo, de manera tal que es mi obligación aclarar que tanto mi experiencia como docente, con sus aciertos y errores, como el diseño de este proyecto, se ha realizado en el marco de vivencias colectivas, de búsquedas y demandas que siempre he compartido no sólo con mis alumnos sino con mis colegas, tanto en el ámbito de la Facultad de Artes de la U.N.T., como fuera de ella.

Expectativa de proyección mínima y máxima de los objetivos. Evaluación de la mirada externa

Las "movidas" las comenzamos con Marcos Figueroa, pero desde que es decano de la Facultad de Artes de la U.N.T., se halla más que nada dedicado a eso, de tal suerte que he continuado casi sola. De vez en cuando me busco un ladero pero aquí la gente es muy lenta y ello me impide contar plenamente con otras personas, para poder cumplir en tiempo y forma con los compromisos en los que me involucro. La Facultad de Artes, primero con la ex decana (Celia A. De Franco) y ahora con Marcos, siempre ha apoyado mis emprendimientos, mas en este momento, eso se circunscribe escasamente a prestar el edificio, ya que el presupuesto de la universidad se ha reducido drásticamente. Sin embargo busco despegar de la Facultad porque las actividades se confunden mucho, y aunque hasta hace poco parecía no tener alternativas, ahora estoy en un proyecto que incluye un espacio independiente.
¿Cómo me veo en el futuro?... caminado por la orilla del mar, o mirando la luna y escuchando desde la galería de mi futura casita, hoy en construcción, la guitarra desafinada de mi hijo Francisco, mientras bebo un champán bien helado. No lo digo en broma. Quiero que este proyecto camine solo, que se formen cuadros de artistas contemporáneos y teóricos que, en cada provincia puedan continuar generando pensamiento y estrategias de difusión de ese pensamiento visual que, avizoro en permanente contacto con el "centro", pero gozando de plena autonomía. Como el Mare Nostrum alrededor del cual, a fuerza de permanentes intercambios se formaron las culturas señeras de occidente. Que al decir "arte argentino", un extranjero pudiera imaginarse una galería de imágenes y enunciados más vasta y compleja que la que hasta ahora se le presenta, siempre circunscripta a la Capital federal.
Siempre creo que estas ideas son cojas por un lado, y muy recorrodas por otro, pero no sé... ahí va...

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Proyecto: Sigurdún

Autores: Carlota Beltrame (Tucumán) y Lucas Di Pascuale (Córdoba).

Equipo de trabajo constituido por (hasta el momento): Damián Miroli, Aldo Ternavasio (artistas-Tucumán), Laura Valdivieso (artista- Mendoza), Beto de Volder, Fernando Brizuela (artistas Buenos Aires).

DEFINICIÓN DEL TIPO DE GESTIÓN, MISIÓN y OBJETIVOS.
Hacia finales de la década de los ’90, los artistas y diferentes actores vinculados al campo de la producción artística en materia de artes visuales, hemos asistido a un fenómeno por demás interesante relacionado con la profundización (en algunos casos), y/o la generación de nuevas estrategias (en otros) en lo que hace a procesos de enseñanza para la producción artística contemporánea. Nos referimos a los muy conocidos Encuentros de producción y análisis de obra para jóvenes artistas que la Fundación Antorchas creara y difundiera por diferentes puntos del país. El Programa TRAMA, de cooperación y confrontación entre artistas que creara Claudia Fontes y que cuenta con el apoyo y subsidios no sólo de esa Fundación sino de la Rijksakademie van beelde kunstem y la RAIN entre otros, es otro ejemplo.
No son pocas las ciudades, provincias y/o regiones que se han visto beneficiadas con tales iniciativas, pero creemos que si bien éstas han contribuido a un interesante estado de superación del estado de endogamia cultural en el que nos hallábamos sumidos, también abren un abanico de interrogantes para cada una de las regiones beneficiadas. Interrogantes que a su vez plantean una serie de problemas a resolver.
La pregunta primera que se nos vino a la cabeza es muy simple: después ¿qué?. En efecto, creemos que el fenómeno de la producción de obra artística en términos de lo que se entiende por "arte contemporáneo", es sólo un eslabón en la compleja cadena de interrelaciones que constituye el necesario circuito de producción, distribución y consumo (real o simbólico) de la obra de arte. Vale decir que intentar superar las formas dominantes o residuales de la misma, para reemplazarlas por lenguajes o discursos más emergentes a través no sólo de la actualización de los procesos involucrados en la enseñanza artística, sino de la necesaria y consecuente confrontación, es sólo el comienzo de un complicado proceso en el que intentaremos involucrarnos con este proyecto que presentamos.
La red de artistas que se ha ido formando a lo largo y ancho del país como consecuencia de las iniciativas anteriormente mencionadas, ha permitido una incipiente conexión horizontal entre las provincias, con la posibilidad de cotejar y comparar experiencias. Así pues, es posible comprobar a simple vista, que los problemas en las diferentes regiones, (siempre teniendo como esquema el circuito de producción, distribución y consumo), también son de diferente orden.Buscamos entonces, definir y consolidar un campo artístico que tienda, por un lado a recuperar el punto de vista del subalterno, pero por otro a superar la propia condición de subalterno. No proponemos en consecuencia, abordar el asunto del acceso a las corrientes mayoritarias como un tema relacionado con el éxito en el mercado. Ello, siempre ha suscitado emociones encontradas (fundamentalmente ambición y resentimiento), emociones que se dan con singular intensidad en los artistas marginados del grupo social que produce y sostiene lo que se considera arte mayoritario (1). Ello sería atentar ideológicamente contra aquella idea de Gayatry Spivak, en la que propone la recuperación el punto de vista del subalterno.
De hecho, en nuestro país existe una micro estructura hegemónica autodesignada, pero afirmamos que las provincias en general debemos tomar decisiones que nos lleven mucho más allá de las asistencias que nos vienen del centro, con el fin de consolidar un discurso propio que dé cuenta de nuestro pensamiento artístico.
Se trata pues de desarrollar la capacidad de articular enunciados autónomos que expongan nuestra historia y nuestra identidad, entendida no ya como la presión que se buscó ejercer sobre un término extraído de la abstracción lógico matemática (identidad = igualdad), sino como la actividad de la negociación, la regulación y la autorización de exigencias que compiten, a menudo en conflicto, por la auto - representación colectiva. De este modo el cometido del concepto identidad cultural no existe en el nivel en el que una comunidad expresa una exigencia, sino en el nivel en el que esa exigencia se articula con otras solicitudes a fin de poder reclamar un valor y hacerse significativa como forma de juicio cultural. (2)

Definición de la gestión:
¿Qué nos proponemos entonces?. Pues, aprovechar la red que se ha formado entre los diferentes actores vinculados al campo de la producción distribución y/o consumo artístico a raíz de las experiencias propuestas por la Fundación Antorchas a través de sus Encuentros... y TRAMA, sin excluir a otros artistas o grupos de artistas que estén interesados por este proyecto y que no hayan atravesado por las experiencias anteriormente mencionadas. Nuestra idea es intercambiar experiencias en las diferentes áreas y buscar de esta manera el camino de la superación de los aspectos endogámicos de los sistemas culturales en lo que a las artes visuales se refiere. Se trata entonces de
crear formatos de comunicación e intercambio entre grupos de artistas ya existentes.

(1) CAMNITZER, LUIS. Access to the mainstream. Text published in Beyond the fantastic, edited by Gerardo Mosquera, INIVA, Londres, 1995
(2) HOMI BHABHA y SUSHEILA NASTA. La reinvención de Gran Bretaña,. Revista NERTER Postcolonialismo. Invierno 2000-2001. La Laguna Tenerife. Islas Canarias.

Misión y objetivos
Naturalmente entendemos que este proyecto no sólo llevará años para obtener resultados visibles, sino que implica varios pasos.
1) Consolidar la red de contactos, la cual suponemos se irá extendiendo a medida que avance el proyecto. Actualmente los artistas participantes pertenecen a las provincias de Tucumán, Mendoza, Córdoba y Buenos Aires.
2) Realizar en cada lugar en donde los contactos se hayan consolidado, una evaluación diagnóstica que permita visualizar las fortalezas y debilidades locales. Por ej. entre los artistas que actualmente participan del proyecto, se han detectado los siguientes problemas: Mendoza: problemas de formación en el diseño de las estrategias de enseñanza artística; Tucumán: graves problemas en el circuito de distribución de la obra de arte; Córdoba: escasés de vínculos con el exterior y Buenos Aires (Capital Federal): ignorancia de otras líneas de producción artísticas visuales, existentes en el resto del país. En todos los casos: la escasés de publicaciones serias, que den cuenta de la identidad y el desarrollo de las artes visuales locales y del país en general.
3) Intercambiar experiencias y posibles soluciones entre los diferentes actores del proyecto. Ello no sólo implicará la búsqueda de espacios entre provincias para la circulación concreta de obras de arte, sino la realización de encuentros para el debate sobre problemas de la enseñanza artística, sobre las características particulares o identitarias de las artes visuales de cada región (en el caso de las hubiera), publicaciones
sobre arte contemporáneo de cada región con la asistencia de pensadores nativos y/o invitados, etc.
4) Armar una página web en la que se expongan los resultados de cada experiencia, textos escritos por pensadores regionales, imágenes de obra y curriculum vitae de sus autores etc.
5) Compartir el capital social de cada participante en el proyecto.
6) Recuperar visual y conceptualmente a los artistas de la generación intermedia de cada región, y/o a aquellos, que no perteneciendo a ésta, se hallan sin embargo ligados a la producción contemporánea de su zona, por las características de su obra.
7) Concretar convenios para trabajar en espacios físicos con el fin de:
• Realizar exhibiciones plásticas.
• Realizar encuentros de producción y análisis de obra entre artistas de las ciudades, provincias o regiones involucradas.
• Distribuir el material teórico elaborado, tanto en forma individual como colectiva, por los diferentes actores de este proyecto. Este punto incluye un espacio en Capital Federal, el cual se halla actualmente en gestión.
8) Abarcar, en la medida en que fuera posible y resultara pertinente, otros proyectos o ideas de gestión y producción cultural en el campo de las artes visuales.